https://revues.mshparisnord.fr/ethnographie Revue de la société française d’ethnoscénologie fr https://revues.mshparisnord.fr/ethnographie/index.php?id=1504 Les notions reprises à la période antique sont très utilisées par les artistes de théâtre contemporain, menant à un universel rarement discuté et pourtant remis en cause par les études de genre et décoloniales. Ainsi, par exemple, plusieurs metteur·ses en scène se servent de L’Odyssée d’Homère et du personnage d’Ulysse pour parler des tragédies des migrant·es contemporains en rappelant que l’hospitalité était une pratique régulière dans la Grèce antique. De la même façon, les acteurices et auteurices racisé·es sont invisibilisé·es au sein du monde théâtral ou alors des espaces spécifiques sont réservés à leur dramaturgie. Qu’est-ce que ces pratiques disent de l’universel ? N’est-ce pas là une façon de continuer à ostraciser une partie du monde ? L’universel est réduit à être de surplomb et à opposer les tenant·es de l’universalisme républicain et celleux d’un communautarisme supposé. D’autres propositions existent pour sortir de cette opposition binaire. Ainsi, les chercheur·ses en ethnopoétique proposent des notions telles que « air de famille » ou « nébuleuse » pour penser leurs objets d’études. Faire dialoguer des disciplines comme les études théâtrales, les études de genre et décoloniales, et l’ethnopoétique ne permettrait-il pas de penser le monde, et le monde théâtral en particulier, comme un espace déhiérarchisé où l’ensemble des spectacles pourraient cohabiter sans distinction, et tendre vers un véritable universalisme ? Notions taken from the ancient period are widely used by contemporary theater artists, leading to a universal that is rarely discussed and yet challenged by gender and decolonial studies. Thus, for example, several directors use Homer’s Odyssey and the character of Ulysses to talk about the tragedies of contemporary migrants, recalling that hospitality was a regular practice in ancient Greece. In the same way, racialized actors and authors are invisible within the theatrical world or specific spaces are reserved for their dramaturgy. What do these practices say about the universal? Is this not a way of continuing to ostracize part of the world? The universal being reduced to overhanging and opposing the supporters of republican universalism and those of a supposed communitarianism. Other proposals exist to get out of this binary opposition. Thus, researchers in ethnopoetics propose notions such as “family resemblance” or “nebula” to think about their objects of study. Bringing together disciplines such as theater studies, gender and decolonial studies, and ethnopoetics would it not make it possible to think of the world, and the theatrical world in particular, as a dehierarchized space where all performances could cohabit without distinction, and move towards true universalism? mar., 02 sept. 2025 00:00:00 +0200 https://revues.mshparisnord.fr/ethnographie/index.php?id=1504 https://revues.mshparisnord.fr/ethnographie/index.php?id=1516 Partant du constat de la situation de marginalisation critique dans laquelle se trouvent les textes dramatiques écrits au Burkina Faso, je propose d’observer le théâtre au Burkina Faso à partir de la ville de Ouagadougou, et à partir des textes considérés comme un terrain à étudier. Si le débouché éditorial demeure insuffisant, les auteurs produisent des textes au croisement des réseaux de circulation (urbain/panafricain/francophone) et ont ainsi la possibilité de se distinguer à différentes échelles de légitimation. La mise en œuvre d’une méthode plurielle – identification de textes édités, collecte de textes non édités, traduction de textes ou extraits de textes du mooré vers le français permet de déconstruire les ressorts d’une marginalisation critique et de lire ensemble les textes de différents statuts. Beginning with the observation of the marginalized place of dramatic texts, or plays, in Burkina Faso, I propose to observe Theater in Burkina Faso starting from the city of Ouagadougou, and from the texts, which are considered also a field to be studied. When opportunities for publication are insufficient, writers produce plays at the intersection of producing networks, (urban, pan-African, Francophone), and thus have the possibility for their work to exist separately from conventional forms of legitimization. The implementation of a pluralistic method: the identification of published plays, the collection of unpublished plays, or extracts from plays written in Mooré translated into French allows me to deconstruct the mechanizations of critical marginalization and to read together dramatic texts of different statures. mar., 02 sept. 2025 00:00:00 +0200 https://revues.mshparisnord.fr/ethnographie/index.php?id=1516 https://revues.mshparisnord.fr/ethnographie/index.php?id=1552 L’art et la culture ouïghours ont commencé à attirer l’attention du grand public seulement depuis ces dernières années. Cet intérêt récent ne relève pas d’une découverte de leur beauté ou de leur force créatrice, mais d’une indignation de leur mise en péril par la politique d’éradication du gouvernement de la République Populaire de Chine (RPC). À l’extérieur de la Chine, ils sont aussi tôt devenus le synonyme d’une résistance face à cette crise humanitaire sans précédent. Et par leurs travaux, les artistes et chercheurs ouïghours sont attendus à dénoncer les agissements du gouvernement chinois. Mais comment faire face à ces attentes ? Dans cette situation particulière, quel serait le parcours d’artiste et de chercheur ouïghour dans la diaspora ? Comment se passe-t-il le processus d’intégration dans le milieu académique et artistique ? Cet article comme une autoethnographie tente de répondre à quelques questions clefs en revenant sur mon parcours artistique et scientifique depuis les années 1990 à aujourd’hui. Uyghur art and culture have only begun to attract mainstream attention in recent years. This sudden interest does not rise from the discovery of their beauty or their creative force, but from indignation at their endangerment by the repressive policy of the government of the People’s Republic of China (PRC). Outside China, Uyghur art and culture, also quickly became synonymous with resistance to this unprecedented humanitarian crisis. And through their work, Uyghur artists and researchers are expected to denounce the actions of the Chinese government. But how do we meet these expectations? In this particular situation, what would be the path of a Uyghur artist and researcher in the diaspora? How does the integration process into the academic and artistic scenes take place? This article, like an autoethnography, attempts to answer some key questions by looking at my artistic and scientific journey from the 1990s to now. mar., 02 sept. 2025 00:00:00 +0200 https://revues.mshparisnord.fr/ethnographie/index.php?id=1552 https://revues.mshparisnord.fr/ethnographie/index.php?id=1577 Dans cet article, Pierrick Lefranc explore le katajjaq, une pratique vocale inuit perçue tour à tour comme un « chant de gorge », un jeu ou une pratique chamanique, et examine ses modes de patrimonialisation ainsi que ses usages contemporains. L'auteur retrace l'évolution des études ethnomusicologiques consacrées au katajjaq, en mettant en lumière ses enjeux politiques, épistémiques et esthétiques, ainsi que les tensions entre patrimonialisation et (ré)appropriation, dans un contexte de quête de justice épistémique et de reconnaissance de la culture inuit. L'article met en évidence les limites des approches usuelles, qui tendent à figer cette pratique dans des catégories préexistantes telles que la musique ou l’activité ludique. L'auteur appelle à une méthode d'enquête vivante et collaborative, où le katajjaq est étudié dans des "usages particuliers" et dans sa capacité à créer des ponts entre mondes culturels, sociaux et artistiques. À travers des cas concrets, comme son intégration dans des festivals de musique contemporaine, l'article revisite la relation entre pratiques dites traditionnelles et dites contemporaines, tout en explorant les dynamiques d’appropriation et de réappropriation culturelle. L'auteur souligne l’importance de dépasser les logiques de domination, de reconnaissance identitaire et de classification pour révéler les potentialités transformatives de cette pratique. En conclusion, l'article propose de faire du katajjaq un levier pour repenser les interactions entre recherche et création, tradition et innovation dans une perspective de décolonisation des savoirs. Il invite à célébrer le pouvoir de transformation des pratiques culturelles tant sur le plan esthétique que social et tentent de mieux comprendre comment la recherche-création peut permettre de mieux révéler leur potentialité. In this article, Pierrick Lefranc explores katajjaq, an Inuit vocal practice alternately perceived as "throat singing," a game, or a shamanic practice, and examines its modes of heritage-making and contemporary uses. The author traces the evolution of ethnomusicological studies dedicated to katajjaq, highlighting its political, epistemic, and aesthetic issues, as well as the tensions between heritage-making and (re)appropriation, in a context of epistemic justice and recognition of Inuit culture. The article highlights the limitations of traditional approaches, which tend to confine this practice within pre-existing categories such as music or playful activity. The author advocates for a living and collaborative investigative method, where katajjaq is studied through "specific usages" and its capacity to build bridges between cultural, social, and artistic worlds. Through concrete examples, such as its integration into contemporary music festivals, the article revisits the relationship between so-called traditional and contemporary practices while exploring the dynamics of cultural appropriation and reappropriation. The author emphasizes the importance of moving beyond logics of domination, identity recognition, and classification to uncover the transformative potential of this practice. In conclusion, the article proposes using katajjaq as a lever to rethink the interactions between research and creation, tradition and innovation, within a perspective of decolonizing knowledge. It invites us to celebrate the transformative power of cultural practices, both aesthetically and socially, and explores how research-creation can fully reveal their potential. mar., 02 sept. 2025 00:00:00 +0200 https://revues.mshparisnord.fr/ethnographie/index.php?id=1577 https://revues.mshparisnord.fr/ethnographie/index.php?id=1684 Cet article s'attache à penser à nouveaux frais la notion problématique et ambivalente de « cultures et scènes du monde » afin de comprendre les usages qui en sont faits aujourd’hui, les enjeux qui lui sont attachés et les limites qu’elle comporte. Une approche historicisée et fine est nécessaire tant le contexte politique actuel rebat les cartes autour d’une expression que l’on aurait pu penser surannée dans le contexte postcolonial, voire décolonial qui caractérise notre époque contemporaine. Certes, la dimension essentialisante de la notion et sa tendance à rejouer la distinction Occident/reste du monde posent problème. Mais, d’un autre côté, cette notion n’est pas qu’une catégorie abstraite : elle est portée par des individus, des groupes, des institutions qui défendent des cultures minorées et dont l’existence et la conservation sont en danger aujourd’hui. This article seeks to rethink the problematic and ambivalent notion of ‘world cultures and scenes’ in order to understand how it is used today, the issues surrounding it, and its limitations. A nuanced, historical approach is necessary, given that the current political context is reshuffling the deck around an expression that one might have thought obsolete in the postcolonial, even decolonial context that characterises our contemporary era. Admittedly, the essentialising dimension of the concept and its tendency to replay the distinction between the West and the rest of the world are problematic. But, on the other hand, this concept is not just an abstract category: it is carried by individuals, groups and institutions that defend minority cultures whose existence and preservation are under threat today. mar., 02 sept. 2025 00:00:00 +0200 https://revues.mshparisnord.fr/ethnographie/index.php?id=1684 https://revues.mshparisnord.fr/ethnographie/index.php?id=1589 Le glenti est une pratique musicale traditionnelle qui constitue un rituel social pour la communauté du village d’Olympos, situé au nord de l’île de Karpathos et dont les membres sont dispersés dans le monde. Après une description des codes de ce rituel, cet article s’attache à discuter de sa mise en spectacle dans le cadre d’un festival de pratiques traditionnelles. Cette mise en spectacle, qui permet aux musiciens de mettre en valeur leur pratique et de la faire connaître en dehors de ses frontières, rejoint également les préoccupations liées à la patrimonialisation et à la crainte de la disparition du rituel. The glenti is a traditional musical practice that is a social ritual for the community of the village of Olympos, located in the north of the island of Karpathos, and whose members are scattered arond the world. After a description of the codes of this ritual, this article aims to discuss its presentation as part of a festival of traditional practices. This performance, which allows musicians to showcase their practice and make it known outside its borders, also meets concerns related to the patrimonialization and the fear the disappearance of the ritual. mar., 02 sept. 2025 00:00:00 +0200 https://revues.mshparisnord.fr/ethnographie/index.php?id=1589 https://revues.mshparisnord.fr/ethnographie/index.php?id=1601 L’appellation « théâtre » ou « drame » est fréquente pour désigner l’art du nō. Elle n’est pourtant pas évidente : d’abord nommé sangaku [divertissements variés] puis sarugaku [divertissement des singes], cet art est défini par Zeami comme une danse religieuse, un kagura [divertissement des dieux]. Cependant le nō, transformé en « cérémonie » (shiki) pendant l’ère Edo, va se laïciser. Si la notion de « théâtre », traduite par les termes engeki [théâtre] et gikyoku [pièce de théâtre], fait son apparition sous l’ère Meiji, elle tend à dissoudre les spécificités du nō. Les appellations d’« arts de la scène » (butai geijutsu) et d’« arts de la performance » (geinō ) sont plus conformes à la tradition du nō : elles désignent des techniques conjointes à la fois vocales, musicales et gestuelles relevant d’un art complet des artistes. Si l’on s’intéresse maintenant à la performance, nous constatons que l’effet dramatique est contredit par le recours à des procédés narratifs : comme ses cousins le kabuki et le bungaku, le nō est avant tout un art du récit. Noh is often called “theater” or “drama”. However, the use of these words may not be correct if we want to describe nō: first named as sangaku (“miscellaneous entertainment”) then sarugaku (“entertainment of the monkeys”), this art becomes with Zeami a religious performance, a kagura (“entertainment for the gods”). Then, during Edo period noh becomes a mere “ceremonial” (shiki) and loses most of its religious signification. The notions of “theater” (engeki) and “play” (gikyoku) appear during the Meiji period however they do not cover the specificities of noh. The words butai geijutsu (arts of the stage) and geinō (performance arts) are more accurate to describe nō: artists on the stage simultaneously use voice, music and dance. If we focus now on the performance, the “dramatic impression” doesn’t fit the reality of the stage: like related arts, kabuki or bungaku, noh is more narrative than dramatic. mar., 02 sept. 2025 00:00:00 +0200 https://revues.mshparisnord.fr/ethnographie/index.php?id=1601 https://revues.mshparisnord.fr/ethnographie/index.php?id=1617 À travers cet article, une norme équestre développée au XIXe siècle en France et transmise à travers le développement de l’équitation classique européenne en Chine contemporaine sera étudiée. L’essor de la pratique sur le territoire chinois se caractérise notamment par l’intervention de professionnels européens, dont certains français mais aussi par l’implantation grandissante des fédérations et des enseignements qui en découlent. Cette notion implicite mais pourtant fondamentale, s’appuie sur une théorie, celle de la centaurisation et à la manière dont elle est reçue par les pratiquants, qu’ils soient clients ou professionnels, il nous est possible de comprendre les mécanismes d’intégration des normes qui parcourent les disciplines équestres. Cet article se base sur un travail mené depuis 2016, dans différents centres équestres de la ville de Pékin, en suivant les parcours des différents interlocuteurs. This article proposes to look at the implementation of an equestrian notion developed in the 19th century in France, and taken up again in an implicit way during the learning of horse riding in the French training courses in Beijing's equestrian centers. By looking at the centaurization theory and the way it is received by the riders, whether they are clients or professionals, we can understand the mechanisms of integration of the norms that run through the equestrian disciplines. This article is based on work carried out since 2016, in different equestrian centers in the city of Beijing, following the paths of different interlocutors. mar., 02 sept. 2025 00:00:00 +0200 https://revues.mshparisnord.fr/ethnographie/index.php?id=1617 https://revues.mshparisnord.fr/ethnographie/index.php?id=1632 La notion de « théâtre documenté », de plus en plus utilisée par certains artistes, est une catégorie aux contours mal définis. La porosité des frontières qu’elle suppose entre la fiction et le document participe de la difficulté de sa définition. Cet article apporte quelques pistes de réflexion sur la manière dont elle travaille avec le réel en s’appuyant sur les créations de la compagnie Babel. Ses codirecteurs, Élise Chatauret et Thomas Pondevie, parlent de « théâtre documenté » pour désigner les spectacles qu’ils réalisent en s’appuyant sur des enquêtes de terrain. Loin de s’opposer au réel, leur démarche ravive la question des rapports que le théâtre entretient avec ce dernier. En mettant au jour la manière dont la mise en scène manipule le document, mais également la théâtralité du document lui-même, leurs créations montrent que le réel ne peut être saisi hors du champ de nos représentations. Si l’expérience du réel peut advenir, c’est dans le temps où acteurs et spectateurs questionnent ensemble ces représentations et en imaginent de nouvelles. The notion of ‘documented’ theatre, increasingly used by some artists, is a category with ill-defined contours. Its porous boundaries between fiction and document contribute to the difficulty of its definition. This article provides with reflections on the way in which it deals with reality, based on the creations of Babel Company. The co-directors, Élise Chatauret and Thomas Pondevie, refer to their creations, based on field surveys and recorded interviews, as ‘documented theatre’. Their approach is not opposed to reality but sheds new light on the question of the relationship between theatre and reality. By revealing how the directing manipulates the document, but also the theatrical nature of the document itself, the productions of the company show that reality cannot be grasped outside the field of our representations. If the experience of reality can occur, it is during the time when actors and spectators question together these representations and imagine new ones. mar., 02 sept. 2025 00:00:00 +0200 https://revues.mshparisnord.fr/ethnographie/index.php?id=1632 https://revues.mshparisnord.fr/ethnographie/index.php?id=1644 Comment appréhender les dramaturgies d’Afrique subsaharienne francophone à travers le prisme des enjeux académiques qu’une telle démarche suppose ? Cet article réfléchit à la manière dont l’histoire du théâtre, telle qu’elle s’est pensée, écrite et transmise en France, s’est positionnée vis-à-vis de ces dramaturgies et comment il a fallu affirmer que ces corpus pouvaient légitimement relever d’objets d’études en esthétique. Mené à la fois dans une perspective critique et académique, il s’agit de mettre en exergue les mécanismes de marginalisation auxquels ces corpus – et les études qui leurs sont attenantes – ont été confrontés. À travers la notion de « francophonie » et son histoire, des dynamiques similaires sont observables dans le champ des institutions du spectacle vivant en France. Elles sont ici exposées puis suivies d’une mise en avant du positionnement des artistes eux-mêmes. Enfin, revenant davantage sur le geste artistique, et au fil d’une lecture des œuvres, l’article démontre que l’expérience de la marginalisation et du racisme institutionnel ont pu être retournés pour constituer le terreau fertile de stylistiques innovantes aux enjeux politiques essentiels. How to understand the dramaturgy of francophone sub-Saharan Africa through the prism of academic issues that such an approach implies? This article reflects on the way in which the history of theatre, as it was conceived, written and transmitted in France, has positioned itself vis-à-vis these dramaturgies and how it was necessary to affirm that these corpus could legitimately be objects of study in aesthetics. Conducted both from a critical and academic perspective, the aim is to highlight the mechanisms of marginalization that these bodies – and the studies that accompany them – have been confronted with. Through the notion of « francophonie » and its history, similar dynamics are observable in the field of performing arts institutions in France. They are exposed here and then followed by a focus on the positioning of the artists themselves. Finally, returning to the artistic gesture, and through a reading of the works, the article demonstrates that the experience of marginalisation and institutional racism has been turned around to become fertile ground for innovative stylistics with essential political stakes. mar., 02 sept. 2025 00:00:00 +0200 https://revues.mshparisnord.fr/ethnographie/index.php?id=1644